Ảnh: Flickriver
Chúng ta đang sống trong thời đại có sự giao thoa giữa công nghệ, nghệ thuật và môi trường và chính sự kết hợp giữa ba yếu tố đó đã tạo nên những tác phẩm nghệ thuật sáng tạo, mang tính đột phá của các nghệ sĩ. Điều này thực sự đã nâng kỹ năng của người nghệ sĩ lên một tầm cao mới.
Ngược dòng thời gian, bạn sẽ khám phá ra danh sách vô tận các cuốn sách lịch sử và dòng nghệ thuật, nơi bảy bức tranh nổi bật có một câu chuyện tương tự để kể.
Những bức tranh này phản ánh ý định của các nghệ sĩ trong việc thuyết phục chúng ta nhìn nhận một vấn đề theo lối tiếp cận và quan điểm khác biệt, hay kích thích chúng ta đặt câu hỏi cho những hiện tượng vốn được coi là bình thường xung quanh ta.
Thông qua ảo giác và trí tưởng tượng cao siêu mà đối với họ là thứ gì đó rất đỗi “bình thường”, các nghệ sĩ đã thể hiện bản thân và hệ tư tưởng mới mẻ.
Ngay bây giờ, hãy cùng designs.vn khám phá 7 trong số những thí nghiệm mang tính đột phá trong nghệ thuật.
Tác phẩm Grauer Tag Painting của George Grosz
Ảnh: The Artist
George Grosz nổi tiếng với những bức tranh biếm họa về cuộc sống tại thủ đô Berlin của Đức lúc đương thời.
Nhưng khoảng năm 1920-1921, Grosz đã tìm kiếm và khai thác một phong cách mới, đó chính là ngôn ngữ hình ảnh kiểu cách.
Với việc sử dụng các chất liệu mang đậm hơi thở nghệ thuật siêu hình của Ý, George Grosz đã vượt ra khỏi trường phái Dada và New Objectivity của thời đại Cộng hòa Weimar. Chuyển đến Hoa Kỳ vào năm 1933, ông hoàn toàn từ bỏ phong cách đã gắn liền với ông trong một khoảng thời gian dài.
Các bức tranh gợi nhớ về danh họa người Ý Giorgio de Chirico, với những nhân vật vô danh xuất hiện ở những khu vực trống trải trước một số tòa nhà công nghiệp tiêu chuẩn.
Những chi tiết này chủ yếu đại diện cho các vấn đề và phát ngôn về chính trị. Bức tranh phơi bày những vấn đề gây tranh cãi được làm nổi bật bởi bức tường gạch thấp. Phía trước có một quan chức người Đức với đôi mắt lé.
Theo triển lãm New Objectivity ở Manheim năm 1925, những người đàn ông khác phía sau nhân viên phúc lợi là một cựu chiến binh tàn tật, một công nhân và một tay buôn chợ đen.
Với tác phẩm này, tác giả phản ánh sự phân chia giai cấp trong xã hội.
Tuy nhiên sau đó, Grosz chuyển hướng sang phong cách phê phán ‘Verism’ và không sản xuất thêm bất kỳ bức tranh sơn dầu nào nữa.
Tác phẩm Nhà siêu hình học vĩ đại của Giorgio Chirico
Ảnh: The Artist
De Chirico là một người đàn ông bí ẩn, và hệ tư tưởng của ông được phản ánh rõ nét qua từng tác phẩm nghệ thuật. Trong bức tranh này, ông đã tạo ra một tượng đài kỳ lạ trơ trọi giữa một quảng trường rộng lớn.
Bức tượng đài được làm bằng các đồ vật nội thất và công cụ xây dựng tạo nên một hình tổng thể kỳ lạ.
Ánh nắng mùa hè chiếu vào bức tượng như ánh đèn chiếu vào sân khấu chiếu. Phía xa xa là màn đêm đang dần buông xuống.
Để duy trì sự gián đoạn, ống khói của nhà máy có thể được nhìn thấy trên bầu trời nơi kỷ nguyên hiện đại bùng nổ trong vũ trụ quattrocento.
Với thế giới quan siêu việt của mình, De Chirico đã khám phá đất nước Ý trong một giai đoạn siêu hình. Tuy nhiên, quan điểm này được khai phá bởi nhà triết học người Phổ Nietzsche.
Ông nói: “Một bức tranh phải là một cái gì đó không mang bất kỳ ý nghĩa gì và không thể được biểu hiện hay cắt nghĩa theo logic của con người.”
Tác phẩm Học viện Athens của Raphael
Ảnh: The Artist
Được thực hiện bởi Raphael từ năm 1509 đến năm 1511, Học viện Athens được cho là phản ánh trung thực lý thuyết của giai đoạn Phục hưng.
Bức tranh tổng hợp nhiều ý tưởng của các nhà triết học, toán học, khoa học vĩ đại và nổi tiếng.
Xuất hiện trong bức tranh là người đàn ông huyền thoại như Aristotle, Socrates, Plato, Da Vinci, cùng nhiều gương mặt nổi bật khác.
Bức tranh cho thấy họ học hỏi và tương tác với nhau.
Những người đàn ông vĩ đại này không sống trong cùng một thời đại, nhưng Raphael đã mang tất cả họ lại, tạo nên một khung cảnh kỳ vĩ.
Nghệ sĩ thời Phục hưng người Ý cũng tạo ra tác phẩm nghệ thuật để trang trí cho một số căn phòng trong Cung điện Tông đồ ở Vatican. Các phòng đó hiện được gọi là Stanze di Raffaello, để bày tỏ lòng kính trọng và sự tưởng nhớ đối với thời kỳ Phục hưng.
Bức tranh vẫn có thể được tìm thấy trong một số phòng ở Vatican, nơi được ủy quyền bởi nhà tài trợ của ông, Giáo hoàng Julius II.
Tác phẩm Der Radionist của Kurt Gunter
Ảnh: The Artist
Đầu năm 1928, nhà phê bình nghệ thuật kiêm nhà sử học người Đức Franz Roh đã khám phá ra điều gì đó trong tác phẩm huyền thoại của Kurt Gunter.
Ông mô tả nội thất bên trong giống như một phòng khách kiểu tư sản.
Tuy nhiên, điều này lại mâu thuẫn với ý định của Gunter.
“Tiểu tư sản… đã khép mình vào một ngày Chủ nhật với bộ đài phát thanh kêu lạch cạch, đeo tai nghe, mở một chai rượu vang đỏ, chọn một bản opera libretto và một điếu xì gà của một gã độc thân đầy thù hận trong thời đại của chúng ta và một sự củng cố âm nhạc, với sự phản kháng lóe lên trong mắt anh ta.”
Ông mô tả nó như là chỉ là một hình ảnh của Herr Schreck, một hành tinh Pandora và lắng nghe radio vì nó phát sóng một chương trình trên 29 Tháng 10 ngày, năm 1923, trong đó biểu thị sự cải thiện của ông trong việc mở rộng quan hệ xã hội của mình.
Trong việc định hình bộ mặt xã hội, chủ đề bức tranh của ông đã nêu bật tính tích cực và tính cách mạng trong phát minh của ông.
Sau này nó đã trở thành chủ đề chính của nhiều tác phẩm nghệ thuật hội họa mới thời kỳ sau.
Tác phẩm Chân dung Madame Isabel Styler-Tas của Salvador Dali
Ảnh: The Artist
Bức tranh này được tạo ra bởi danh họa huyền thoại của chủ nghĩa Siêu thực, Salvador Dali, vào năm 1929.
Bức tranh mô tả hình ảnh con gái của nhà kim hoàn nổi tiếng ở Amsterdam Louis Tas, Isabel, một nữ doanh nhân kiêu ngạo và giàu có. Bà xuất hiện trong chiếc áo choàng màu đỏ tinh xảo với một chiếc trâm medusa đính trên ngực.
Phía sau là một cảnh quan trong tưởng tượng kỳ ảo. Đối diện là một phiên bản hóa thạch đang nhìn chằm chằm vào bà.
Với niềm đam mê tuyệt vời đối với các viễn cảnh và ảo tưởng, Dali đã chơi đùa với chủ nghĩa hiện đại, trong bối cảnh chủ nghĩa lập thể đang phát triển mạnh mẽ.
Dali đã thổi làn gió hiện đại vào một tác phẩm nghệ thuật mang màu sắc cổ điển, và đó chính là một trong những điều tạo nên sự thành công của ông.
Nam họa sĩ cũng từng chia sẻ, “Đối với một bức tranh chân dung, tôi dự định tạo ra sự kết nối giữa mỗi tính cách khác nhau và bối cảnh của nhân vật, một lối tiếp cận khác xa với chủ nghĩa tượng trưng trực tiếp. Sự kết nối đó được thể hiện qua chất liệu và hình tượng để gói ghém những gì tinh túy nhất trong từng chủ đề của tôi”.
Tác phẩm TAKKA TAKKA của Roy Lichtenstein
Ảnh: The Artist
Để đối phó với cuộc cách mạng văn hóa đại chúng ở Mỹ trong những năm 1950 và 1960, nhu cầu cấp thiết là phải duy trì hiện trạng do quyền lực và độ lan tỏa ngày càng lớn của nó.
Kể từ khi xuất hiện, văn hóa đại chúng không ngừng rung chuyển và sau đó thay đổi quan điểm của các nhà phê bình nghệ thuật hay nói rộng hơn là quan điểm của toàn bộ thế giới nghệ thuật.
Takka Takka được tạo ra bởi Roy Lichtenstein , người từng trải qua đào tạo phi công Hoa Kỳ và là một cựu chiến binh Thế chiến II nhưng chưa bao giờ tham chiến.
Trớ trêu thay, ông đã sử dụng phong cách của hiệu ứng âm thanh hoạt hình để đặt tên cho tác phẩm của mình. “Takka takka” là âm thanh của súng. Tác phẩm nghệ thuật này đại diện cho toàn bộ các yếu tố của nghệ thuật đại chúng và tầm quan trọng của nó.
Các chương trình hoạt hình và nghệ thuật thời đó luôn được tạo ra để hướng tới một mục tiêu chung; một bài bình luận hào hùng, hài hước và lố bịch. Sử dụng phong cách này để truyền tải thông điệp của mình một cách hiệu quả, Lichtenstein nhằm mục đích để lại hiệu ứng và kích thích tư duy đối của khán giả bằng cách sử dụng vị trí liền kề có lợi cho mình. Tác phẩm này được coi là một ví dụ tuyệt vời về sự thử nghiệm trong nghệ thuật vì sự dũng cảm của người nghệ sĩ trong việc truyền tải quan điểm mạnh mẽ về một chủ đề liên quan.
Khi tác phẩm của Lichtenstein bị chỉ trích là quân phiệt, ông đã phản ứng một cách thông minh, “những anh hùng được miêu tả trong truyện tranh là phát xít, nhưng đừng quá coi trọng họ trong những bức tranh này. Tôi sử dụng chúng vì những lý do hoàn toàn chính đáng”.
Tác phẩm Cái chết của nàng Dorothy Hale của Frida Kahlo
Ảnh: The Artist
Cái chết của Dorothy Hale chắc chắn là một trong những tác phẩm nghệ thuật mạnh mẽ nhất cho đến nay. Mặc dù số lượng chi tiết trên bức chân dung khá hạn chế, nó vẫn đủ sức làm rung chuyển thế giới khi lần đầu nó xuất hiện.
Người nghệ sĩ đã khắc họa hình ảnh Dorothy Hale tự sát một cách thực sự nghệ thuật – cũng là một trong những chủ đề táo bạo khi nói đến thử nghiệm trong nghệ thuật.
Tuy nhiên, đây không phải là kế hoạch ban đầu của Frida Kahlo để vẽ ra cái chết của một nữ diễn viên Mỹ đang lên vào thời điểm đó khi cô được giao nhiệm vụ thực hiện bức tranh.
Tòa nhà đã rơi xuống có thể được nhìn thấy phía sau gần như hoàn toàn bị bao phủ bởi những đám mây, thể hiện độ cao mà người phụ nữ rơi xuống. Frida đã truyền tải thông điệp của mình theo nghĩa ẩn dụ mạnh mẽ hơn là nghĩa đen.
Cơ thể của Dorothy Hale có thể được tìm thấy ở dưới cùng của bức tranh, tượng trưng cho tác động của chủ nghĩa hiện thực của nó.
Bức tranh sở hữu mọi cảm giác nghệ thuật, từ thực tế đến siêu thực, trong đó thể hiện rõ ràng từng chi tiết về vụ tự sát của Hale.
Phía dưới bức tranh là dòng chữ “Tại thành phố New York vào ngày 21 tháng 10 năm 1938, lúc sáu giờ sáng, Dorothy Hale đã tự sát bằng cách gieo mình từ cửa sổ của tòa nhà cao tầng Hampshire House. Trong ký ức của cô ấy…”
Kết luận – Thử nghiệm trong nghệ thuật
Một câu chuyện ngắn gọn về cách một số nghệ sĩ huyền thoại đã đào sâu trí tưởng tượng của họ để tạo những tác phẩm nghệ thuật tuyệt vời.
Sử dụng các phương tiện kỹ thuật, chủ đề và đối tượng đa dạng, họ đã truyền tải thông điệp của mình một cách hoàn thảo, góp phần thay đổi toàn bộ diện mạo nghệ thuật.
